【第352回】『Mommy/マミー』(グザヴィエ・ドラン/2014)


 とある架空の世界のカナダ。そこでは新政権が誕生し、新たな法案が可決され物議を醸す。それは、発達障がいの子どもを持つ親が、法的手続きを経ることなく養育を放棄して、施設に入院させることができるという法律。この法律が、やがて一組の母子の運命を大きく左右していく――。15歳になるADHD(多動性障害)の息子スティーヴ(アントワン=オリヴィエ・ピロン)を抱えるシングルマザーのダイアン(アンヌ・ドルヴァル)。矯正施設から退所したばかりのスティーヴは、常に情緒不安定で、一度スイッチが入ってしまうと、まるで手に負えなくなってしまう。そんなスティーヴとの2人暮らしにすっかり疲弊してしまうダイアン。そんな中、ひょんなことから母子は隣に住む女性カイラ(スザンヌ・クレマン)と親しくなっていく。彼女との交流を重ねることで、母子の張り詰めた日常は、少しずつ落ち着きを取り戻していくかに思われたが…。

スピルバーグやPTAなどアメリカを代表する映画作家が父親不在という重たい主題を抱えているとしたら、若き天才グザヴィエの主題は良好な母子関係の欠落であろう。処女作『マイ・マザー』においては、父親不在の環境で思春期を迎えた少年と母親とのぎくしゃくした関係を描いていた。『トム・アット・ザ・ファーム』では息子がストレートだと信じてやまない田舎に住む母親に嘘をついた兄貴が、弟の生前の恋人であった主人公にも嘘を強要する。今作ではADHD(多動性障害)の息子を引き取ることになった母親が息子と再会する場面から物語は始まる。数年前に父親を亡くし、掃除婦として懸命に働く母親は実の息子を引き取ることになるのだが、内心不安でどうしようもない。息子は数年前まで発達性障害だと診断されていたが、実際には多動性障害であると診断される。注意力に欠け、情緒不安定で一度スイッチが入ると暴走してしまう。そもそも施設を強制退去させられた理由も、施設内の放火である。こんな問題児を家に引き取ることになった母親の困惑は想像に難くない。

母親の困惑もさることながら、息子の側も子供ながらにしばらく会っていなかった母親の表情や声色から一生懸命思いを汲み取ろうとしている。喜怒哀楽が激しく、おしゃべりで、いつもケバケバしいファッションに身を包んでいる母親は息子にとって鏡であり、生きる指標ともなり得る存在である。ADHDの息子にとってみれば精一杯の気遣いをしているつもりなのだろうが、健常者として彼に接する母親にとってはそうはならない。些細なことで口論になり、身の危険を感じた母親は咄嗟に息子にインテリアを叩きつける。その姿を見て、隣の家から1人の女性が対立を制すべく現れる。彼女こそが隣に住む女性カイラ(スザンヌ・クレマン)である。こうして今作ではADHDの息子と貧困にあえぐシングル・マザーの母親との間に、吃音症の女が間に入るのである。

彼ら3人は互いに弱者として痛みを分かち合うのだが、そう簡単には分かり合えない。それは大人にとっての症状と思春期の子供にとってのADHDのあてのない苦しみとの差と言える。彼は母親に言い寄ってくる弁護士の男を「SEX目当て」だと糾弾するのだが、その読みの的確さは普通の思春期の少年と何ら変わりない。母親は母親でサヴァイヴァーの『アイ・オブ・ザ・タイガー』をオールタイム・フェイバリットにするこのイケ好かない弁護士を心底拒絶しているのだが、母親にとっては精神病院を放火騒ぎで出所した息子の弁償金がネックとなり、まっとうな生活が出来ないでいる。彼に許しを請うことは、そのまんま母子の明暗を握る賭けなのだが、息子はそのことに残酷にも気付いていないかのようである。

そのことが決定的に母子関係を破綻させるクライマックスは心底残酷で息を呑む。母親に受け入れられなかったことにプレッシャーを感じ、自傷行為により死への扉を開こうとする息子を母親もカイラも何とか思い留まらせようとするが、その判断の結果はあまりにも残酷な選択となる。映画全体を形成する1:1の画面の背景すら見せず、ただひたすら人間同士の心理にフォーカスする映像のサイズの異様さもさることながら、ADHDの息子と貧困にあえぐシングル・マザーの母親、吃音症の女の感情が高揚する2つの場面では、この画角が16:9に一気に拡がっている。その16:9の最初の場面ではOASISの『Wonderwall』に導かれるように、3人の気持ちが1つに溶け合う。もう一つのクライマックスのキャンプ・ファイアの場面では、彼ら3人の友情が終わりに差し掛かっていることを伝えるのである。序盤に綴られた「D.I.E(死)」の文字があの真に美しいラスト・シーンに帰結するのだとしたら、これ程素晴らしいラストはないと言える。2014年のカンヌでは今作がJLGと共に国際批評家連盟賞に輝き、グザヴィエ・ドランは名実共にシーンのトップに立った。

【第110回】『トム・アット・ザ・ファーム』(グザヴィエ・ドラン/2013)


都会で広告代理店に務める主人公トム(グザヴィエ・ドラン)は
ゲイの恋人ギョームの葬式に出るために彼の実家である田舎の農場を訪れる。
そこには年老いた母親と農場を継いだ兄がいた。

全てを知る兄は何も知らない母親の前で主人公に嘘をつくように強要し、
次第に主人公の心を支配していく。

前作までの愛することへの葛藤と痛みを綴った作風とは一転して、
田舎の閉鎖的な環境の中で心を支配されていく主人公の内面を描いた作品で
ジャンルとしてはサイコ・サスペンスに分類されるのだろう。

年老いた母親は最初はトムを歓迎するが、
息子ギョームの恋人は女性であると信じており、
なぜ恋人は姿を現さないのかとトムに詰めよる。

兄は最初からケンカ腰で、母親の前で体裁を整えることしか考えておらず、
トムに嘘をつき続けるよう強要する。

映画の中では主人公のパートナーであるギョームが
何故死ぬことになったのかは最初から最後まで明かされない。

それ以上に重要なのは、
これまでのドラン作品の根底にある父親不在という主題である。
ドランの映画の中では、父親の存在は最初からいなかったり、あまりにも影が薄かったりする。

それとは対照的に、どの映画の中でも母親の存在は重要なウェイトを占める。
今作の中でも、若くてそれなりにハンサムで牛を40頭以上飼育する大酪農家の農場主である兄は
母親との2人暮らしを頑に辞めようとはしない。

口では5年後には老人ホームに入れるなどとうそぶいているが、
この兄貴は閉鎖的な環境に自分を閉じ込めているのである。

映像はスタンダードから再びビスタ・サイズに戻り、荒涼とした農地を据える。
畑の中に1本伸びた道をシンメトリーで据えた空撮シーンが素晴らしい。
ドランらしいカラフルな色彩はなりを潜め、ただひたすらどんよりとした曇り空が続く。

前作まで見られた独白シーンや第三者のクローズ・アップの挿入はない。
トムとギョームの母親と兄貴の危ない不寛容な人間関係の中で、狂気をあぶり出す。

その中で芽生えたトムと兄との愛、兄と母親の愛に対して、
トムと母親の関係性が少し弱い気がした。

やがてギョームの嘘の恋人であるサラが来たことで、母親の怒りは沸点に達する。
クライマックスではそれぞれの表情をクローズ・アップで撮ったショットが連結され、
ある種の高みを演出している。

相変わらずカメラは登場人物たちの背中にぴったりと張り付いて離れない。
正面よりも背後に回り、観客に表情でわからせる芝居をしていない。

今作についていわゆるストックホルム症候群を扱った映画と評するのは容易い。
ドランの映画においては、不寛容なところから抜け出そうとする人物と
そこに留まろうとする人物とは常に葛藤しているのである。

それにしても唯一弱いのは若い女性のキャスティングと演出力だけだと思う。
今回も極めて重要な母親を演じたリズ・ロワに対して
サラ役を演じたエヴリーヌ・ブロシュがあまりにも弱い。

それは前作『わたしはロランス』のナタリー・バイに対するスザンヌ・クレマン然り
前々作『胸騒ぎの恋人』のアンヌ・ドルヴァルに対するモニア・ショクリ然りである。

自ら進んでジャンル映画の範疇に収まろうとしたために、才気の部分はやや劣るが
4本全てのフィルモグラフィがおしなべてレベルが高い。

まだ26歳、今後の活躍を期待してやまない。

【第109回】『わたしはロランス』(グザヴィエ・ドラン/2012)


モントリオールで国語教師をする男とその恋人の物語。
社会的に恵まれた地位を持ち、一見何不自由のない生活をしているが、
周囲にある秘密を打ち明けられないため、主人公の心は満たされない。

その秘密とは「性同一性障害」という病気である。
生物学的性別と性の自己意識が一致しない状態で、トランス・ジェンダーとも呼ばれる。
21世紀の今では一般化し、広く知られるようになった医学的疾患だが、
今作の舞台はその病気への認識が薄かった1990年代を舞台にしている。

30歳の誕生日、ロランス(メルヴィル・プポー)は
交際相手のフレッド(スザンヌ・クレマン)に自分が性同一性障害であることを告白する。

肉体関係もあり、パートナーの男性としての部分に満たされていたフレッドは
当然のごとく戸惑い、激しい違和感を拭うことが出来ない。

これまで2人が築いて来たものが急にないがしろにされたことに激しい憤りを感じるが
フレッド自身、ロランスへの愛情を捨て去ることが出来ない。

この葛藤と痛みこそがグザヴィエ・ドランの真骨頂である。
『マイ・マザー』では親子間の絶望的な隔たりが描かれ、
『胸騒ぎの恋人』では性差を超越しない三角関係の不和が描かれていた。
そして今作では性同一性障害の男とその恋人の葛藤を通して、愛そのものが描かれる。

加えて今作を特徴付けているのは画面サイズの変化である。
『マイ・マザー』と『胸騒ぎの恋人』ではビスタだった画面サイズが
スタンダード・サイズに変化している。

これまでは横長の画面の中で印象的な2ショット、
3ショットが度々用いられたドラン作品だが、
今作では余程のことがない限り、1ショット切り返し以外の選択肢がない。

しかしその構図の限界を逆手に取るような映像の挑戦が次々に行われている。
ロランスとフレッドの車内の会話では、後部座席から2人を背中越しに撮る。
決して正面に回って2人の表情を映そうとはしない。

それはロランスが初めて女装をし、教壇に上がる場面も同様である。
カメラは席に着く生徒たちの表情を決して追わない。
あくまで正面に起立したロランスの姿だけを映すのみである。

この2つの例でも明らかなように、今作には印象的な後ろ姿が何度も見られる。
教室から食堂までの長い廊下を歩くロランスの後ろ姿、
バーでケンカをして傷ついた顔で歩くロランスの後ろ姿、
ロランスへの思いを断ち切り、別の人生を歩もうと決意したフレッドの後ろ姿
尋常ならざる後ろ姿への思いが、スタンダード・サイズになって爆発している。

また前作『胸騒ぎの恋人』でも垣間みられた
印象的な色味の幻想的シーンががここでも見られる。

一つはこの映画の中である意味象徴的な
ソファーに座るフレッドに滝のような水が上から降って来る場面。
前作では主人公の絶望をマシュマロで素描したドランの
驚くべき感情を描写した場面である。

そしてロランスとフレッドが再会し、憧れの地に向かう場面。
たくさんのカラフルな洗濯物が空から降って来るあまりにも美しいショットである。

それと共に私が感動したのは、フレッドからロランスへの返信で
画面にたくさんの文字が敷き詰められた印象的な場面。
ここにドランの才能を感じずにはいられない。

前2作もドランの非凡な才能は発揮されていたが、今作でそれが初めて爆発した印象がある。
まさに10年に1本レベルの傑作であると断言する。
グザヴィエ・ドランを初めて観るなら、真っ先にこの『わたしはロランス』を観て欲しい。

【第108回】『胸騒ぎの恋人』(グザヴィエ・ドラン/2010)


処女作『マイ・マザー』は親子の愛憎関係に迫った
グザヴィエ・ドランの反自伝的物語だったが、
2作目の『胸騒ぎの恋人』は三角関係に揺れる男女の恋の駆け引きを描く。

まるでトリュフォーの『大人は判ってくれない』から
一つ飛ばしで『突然炎のごとく』に辿り着いたような親和性と触れ幅の強さを見せている。

フランシス(グザヴィエ・ドラン)とマリー(モニア・ショクリ)は
互いのことを知り尽くした男女の親友同士であるが、
ある日パーティで知り合った同じ男ニコラ(ニール・シュナイダー)を好きになってしまう。

最初は仲良し3人組として仲良くやっているように見えた3人だったが、
フランシスとマリーは互いの腹を探り合い、時にニコラの態度に一喜一憂してしまう。

冒頭、それぞれの愛について語る男女の姿がクローズ・アップで映される。
『マイ・マザー』ではドラン自身が母親について語るインタビューを物語の中に解け込ませたように、
今作でも直接物語には何ら関係性のない男女の独白が要所要所に挿入される。

ニコラという男は金髪巻き毛の高身長の美青年で
ほぼ同じタイミングでフランシスとマリーは彼に恋をしてしまう。
この男どこかミステリアスな雰囲気で自分の気持ちをあまり強く押し出さないタイプで
2人は互いにニコラにどう思われているのか悩んでいる。

親友であれば、互いの気持ちをカミングアウトすれば幾らか楽かもしれないが、
ストレートな女性と同性愛の男性という垣根からかなかなか本音が切り出せない。

そのじりじりするような2人の姿を前半はきっちりと描写している。

女の方にはもう1人愛人がいて、むしろその男の前でだけ本音をさらけ出せるようで
煙草を吸いながら幾らか本音めいた話をしている。

ドランのライティングがまた巧妙で、
マリーと愛人の最初の情事には赤色のライティングが施され、2度目の情事の際には黄色
同じくフランシスとニコラの寝室におけるライティングは緑を基調とし、
それがクライマックスの象徴的場面になると青に変化する。

それ以外にも『マイ・マザー』では出来なかった美意識が炸裂している。
一番象徴的なのはBGMを使用したスロー・モーションの多用であろう。

例えばニコラの誕生パーティにプレゼントを持って出掛けるフランシスとマリーの歩く姿を
壮大なスロー・モーションを使いながらクロス・カッティングで見せている。

思えば前作でもクライマックスの花嫁衣装の女性を主人公が追いかける場面などで
スロー・モーションの使用があったが、今作ではそれが随分強調されている。

やがて3人で山小屋へ小旅行に出かけた時、事件は起こる。
そこでフランシスとマリーの不和は決定的になる。

カメラは基本的にクローズ・アップで3人の表情を追う。
印象的なロング・ショットはこの山小屋の場面くらいで、あとはほとんどない。
役者の背面にいる時も、その役者にぴったりとくっつきながら臨場感豊かに描いている。
また役者の背面ショット自体も普通の映画に比べ、極端に多い。

中盤部分に悶々としたフランシスが
ニコラの汗の匂いのする服を嗅ぎながら性欲を処理する場面があるのだが、
なぜかイヤらしくも気持ち悪くもない。

むしろ予定外の来訪者にびっくりした 笑。
ここではその正体は言いますまい。是非とも映画を観て確認して頂きたい。

マリーは「手紙」で、フランシスは携帯電話ではなく「自宅電話」で
ニコラに思いを伝えようとする。

この「手紙」と「電話」の使用が実に心地良い。
三角関係の打開策に今時「手紙」と「電話」を利用する若者がどこにいるのかと思うが
かつて20世紀の映画では「手紙」と「電話」こそが愛を伝えるツールだった。

効果的な色味の使用、印象的なスロー・モーション、手紙と電話、
クラシック音楽とスタンダード・ポップス、ヴィンテージ・ファッション
処女作『マイ・マザー』以上にグザヴィエ・ドランの強い美意識が滲む。

ニコラの上からマシュマロが降って来るショットはただただ美しかった。

ゲイという性的少数派を扱った物語にも関わらず、極めて普遍的な愛や性に溢れている。
前作はそれでもまだ甘さがあったが、今作の情け容赦ない描写には非常に好感を持った。

ただマリー役がモニア・ショクリではなく、他の誰かだったらもっと良かった気がする。
独特の老け顔で決して万人受けしない女優であるように思う。

近年の映画の中では極めてレベルが高い。

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